04 Jun EL FUTURO ES HOY
EXPOSICIÓN DE ARTES VISUALES – FUNKA FEST 2018
Un texto y curaduría de Edu Carrera R.
La exhibición ‘El futuro es hoy’, presenta un enfoque especulativo que está organizado en torno a dos temas. El primero trata sobre ‘la memoria natural y artificial’ y presenta obras de arte que investigan los sistemas tecnológicos, digitales y biológicos del lenguaje, la materia y la imagen en relación con los recuerdos, la historia, el tiempo, la inteligencia artificial, y las bajas y altas tecnologías. El segundo tema, ‘memoria, materialidad e imaginación artística’, abarca desde narraciones personales que establecen los artistas con el cuerpo, el lenguaje, la naturaleza, la materia y el tiempo basadas en perspectivas y experiencias culturalmente específicas, hasta la experiencia urbana de los sujetos en las ciudades y espacios que habitan.
Haciendo referencia a la letra de una canción de Café Tacvba, el título de la 3ª edición de la exposición de artes visuales del Funka Fest –‘El futuro es hoy’-, pone en cuestión al tiempo y su memoria a través de la selección de un grupo de obras resultado de una convocatoria pública. Al igual que en la canción, las pinturas, esculturas e instalaciones incluidas en la exhibición, hablan sobre el tiempo y el espacio, y nos ubican en un aquí y un ahora en relación a las subjetividades de los artistas. Los proyectos de los 10 artistas y del colectivo artístico giran en torno a la nostalgia del pasado y el sueño del futuro, mezclando ideas sobre la memoria que reflexionan con las materialidades y las tecnologías: así emerge la memoria como un horizonte de posibilidades en las que el futuro es proyectado.
Es importante pensar en la memoria más allá de una idea temporal. Cuando nos preguntamos acerca de la memoria, realmente nos estamos preguntando acerca de obras que abordan las ideas contemporáneas de la posibilidad utópica en contraste con las condiciones actuales. Se puede pensar en una memoria emancipada que emerge como la posibilidad para que el presente se sostenga y para que el futuro sea diferente.
‘La memoria natural y artificial’
El primer conjunto expositivo reúne obras que nos acercan a la experiencia humana en relación con las tecnologías, la inteligencia artificial, la ciencia, y la manera en que estos sistemas y medios intervienen en la construcción de realidades subjetivas.
‘Megatherium’, del artista Cristian Villavicencio, es una escultura híbrida entre bilogía, arte y mecanismos digitales. La escultura se compone de fósiles y bacterias de una espacie animal nativa del Ecuador ya extinta. El proyecto refiere así a la construcción de una memoria anclada a una imagen cientificista y biológicista de la historia nacional.
Megatherium, Cristian Villavicencio, Impresión 3D, Cultivo de Bacterias, sistema, giratorio, urna de cristal, Bilbao – Quito, 2017.
El dibujo ha sido una herramienta utilizada en el psicoanálisis, por ejemplo, con el objeto de hacer accesible al paciente material inconsciente, en especial a los menores de edad. La instalación ‘Sehnsuchtlosen’ de David Palacios reflexiona sobre la inteligencia artificial y un uso personal más ético y productivo de las tecnologías a través de una ‘app’ que utiliza algoritmos y genera registros visuales que le permiten al artista traducir sus dibujos infantiles en imágenes fotográficas. Las creaciones infantiles del artista se vuelven legibles y hacen manifiesto el anclaje a su infancia.
Sehnsuchtlosen, David Palacios, Programación, Impresión digital. Dimensiones varias, 2018.
La pintura ‘Hemisferio derecho’ que presenta el artista Roger Pincay, interroga sobre las posibilidades conceptuales del trabajo manual en diálogo con lo digital. Se pregunta acerca del contexto discursivo que entremezcla distintos registros del lenguaje en la práctica pictórica y en las condiciones mismas de la producción artística, superando el discurso del artista sobre la imagen que deviene como resultado entre la mano, la computadora y su memoria.
El colectivo artístico y banda de noise, Los Plásticos, presenta ‘Las Meninoise’. A partir del cuadro de Diego Velázquez, “Las Meninas”. Proponen una instalación interactiva que pone a circular el trabajo de los artistas plásticos en su taller para construir una instalación efímera que busca la interacción con el público a través de instrumentos construidos con tecnologías rudimentarias, y a través del cruce de miradas entre los asistentes.
Las Meninose, Los plásticos, Instalación V.I.P.S, Dimensiones Variable, 2018.
El artista Hamza Kirbas presenta ‘AURA’ una instalación de luz neón que reflexiona sobre el aura del objeto artístico y la reproductibilidad técnica de la obra de arte a través de los usos de los nuevos medios. Las posibilidades de visualidad del neón, transforman un modelo de comunicación del lenguaje en un modelo de comunicación visual.
‘AURA’, Hamza Kirbas, Neon Light (instalattion), 70 x 100 , 2018.
‘Memoria, materialidad e imaginación artística’
En el segundo núcleo de ‘El futuro es hoy’, las obras abarcan desde narraciones intimistas acerca del cuerpo, el lenguaje, la materia y el tiempo basadas en perspectivas y experiencias singulares, hasta la experiencia cultural y urbana de los sujetos en las ciudades y espacios que habitan.
‘Máxima I’ es la instalación de la artista Gabriela Chérrez. En ella trabaja con el refrán popular “Prometen y prometen, hasta que lo meten y una vez metido, se acabó lo prometido”, con la intención de transformarlo en una afirmación sobre la búsqueda de placer como postura política. En la instalación el dorado y el magenta se superponen para referir a la fiesta, a la feminidad y al empoderamiento.
Gabriela Chérrez <3 Benjamín Carrión. Instalación con globos de fibra sintética de poliamida. Dimensiones variables. 2017. Foto: Ricardo Bohórquez
La obra ‘Red drawing’ forma parte de una serie de piezas donde el artista Anthony Arrobo utiliza minas de grafito de color para hacer dibujos/pinturas donde hay una emancipación del material y sus usos. En esta obra se piensa la memoria como un sutil guiño al uso del color en el contexto propio del mundo del arte; los grandes planos de color rojo de Mark Rohtko; ‘The red studio’ de Henry Matisse; o ‘Desvio para o vermelho’ de Cildo Meireles.
A History of The Light, Instalación, Spot de teatro y superficie integra de minas de grafito, 3 metros de diámetro, 2013.
El artista Maio Alvear presenta ‘Campo construcción / construcción campo’, una maqueta de jardín japonés construida con algunas piezas de cemento y hierro que se han utilizado en la construcción de urbes en el Ecuador por varias décadas. A diferencia del jardín japonés, está obra no trata de evocar la fuerza de la naturaleza, sino la fuerza detrás de la representación de la misma.
Parte del proceso de elaboración del la obra del artista Maio Alvear – Campo construcción / construcción campo
Las acuarelas que presenta Dennys Navas parten del proyecto ‘carne y piedra’, una propuesta artística que reflexiona sobre la idealización de una ciudad netamente construida de barro/lodo. Mientras la ciudad está conformada por edificios basados en el icónico patrón “dominó” de Le Corbusier, “carne y piedra” plantea una relación de ciudad desde un sentido primitivo: la piedra, el lodo o el barro como indicativo de creación, una vinculación histórica que conecta al ser humano con la fuerza y la fragilidad de la naturaleza.
La instalación ‘Clean Up /// Sandeces de muralla’ de Tayron Luna, rescata de las fachadas repintadas de la ciudad, las publicaciones callejeras y el palimpsesto generado por la inserción y sustracción de diversos elementos de propaganda, grafiti y comercio. Posteriormente, el artista emula los efímeros conjuntos pictóricos resultantes, fruto del resultado inconsciente de producción artística de las multitudes. Finalmente añade una caricatura de Luis Peñaherrera Bermeo, “Robin”, como un guiño a la gráfica comunicacional y su relación con el entramado urbano de visualidades.
‘Mobiliario para el consuelo’ de la artista Gabriela Fabre, consiste en una serie de muebles, entendiendo al objeto mueble, como un objeto funcional que sirve para facilitar ciertas actividades y usos comunes. Los muebles para el consuelo funcionan como instrumentos que desafían la productividad del tiempo, el espacio y el cuerpo, y que además intentan hacer posible, a partir de sus formas, instancias de consuelo. La propuesta surge en la exploración constante de la artista sobre los objetos y sus relaciones con el cuerpo y el espacio que estos habitan.
Hombro. De la serie Mobiliario para el consuelo. 80 cmts x 20 cmts x 30 cmts. Madera y tela. 2016.
La propuesta expositiva en su conjunto busca afianzar el vínculo entre la memoria y la representación de futuros posibles, nexo en el que el arte juega un rol decisivo al construir un contexto sociocultural mediado por la imagen. Las obras cuestionan la construcción discursiva de «narraciones oficiales» al aludir a procesos creativos marcados por la emancipación de la memoria, de la subjetividad, del cuerpo, del tiempo, de los materiales, de los colores, del lenguaje y de las tecnologías.
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*Eduardo Carrera,
Curador, artes visuales.
Funka Fest 2018
* Curador y gestor cultural. Actualmente es el Curador en jefe del Centro de Arte Contemporáneo de Quito. En el pasado fue co-director de No Lugar – Arte Contemporáneo. Entre los años 2011 y 2017 ha sido Asesor del Ministerio de Cultura y Patrimonio del Ecuador, colaborador en proyectos con el Instituto Metropolitano de Patrimonio de Quito, Jefe de Investigación y Patrimonio de la Fundación Museos de la Ciudad, e investigador del Centro de Arte Contemporáneo. Sus exposiciones recientes incluyen “La Transmisión del Gesto – Ciclo de Performance” (CAC, 2017); “In Search of Global Poetry: Videos de la Colección Han Nefkens” (CAC, 2017); “Soy Paisaje” (CAC, 2017); “Absorber la Ficción” (CAC, 2017); “Queer City” (No Lugar, 2017). Ha sido coordinador y curador de Premio Brasil – Arte Emergente en sus ediciones 2013, 2015 y 2017. Desde el 2013 a la actualidad es organizador y curador de las exposiciones en el marco del mes del Orgullo LGBTIQ+. Ha realizado residencias curatoriales en Sao Paulo y Madrid. Es Licenciado en Artes Visuales por la Pontificia Universidad Católica del Ecuador, Master en Gestión Cultural por la Universitat Internacional de Catalunya, y es Alumni de Independent Curators International – ICI, New York.